Sin dagli anni settanta l’attività fotografica dei tre più noti veristi della letteratura italiana, Verga, Capuana e De Roberto, è stata a più riprese esplorata. Se però il rapporto tra i primi due scrittori e la fotografia è stato analizzato nel dettaglio in pubblicazioni anche relativamente recenti (cataloghi di mostre e monografie), l’attività di Federico De Roberto, autore di un capolavoro a lungo sottovalutato come I Viceré, è stata sempre ricordata senza adeguati approfondimenti.

L’attenzione al mezzo fotografico dello scrittore napoletano è invece ampiamente documentata: nei suoi romanzi (da L’illusione del 1891 a L’imperio, pubblicato postumo nel 1929), nei suoi articoli (San Silvestro da Troina, in “La Lettura” agosto 1909 e L. Capuana nei Cimeli fotografici, in “Noi e il mondo” 1916) e soprattutto nella sua attività di fotografo e curatore di edizioni illustrate da fotografie. Nel primo decennio del nuovo secolo l’autore è a più riprese impegnato in questa attività. Nel 1907 pubblica una guida della città di Catania, corredata da 152 illustrazioni degli atelier Martinez, Gentile, Grita, Brogi e Alinari, e cura l’albo illustrato Esposizione di Catania, redatto sotto la sua direzione. Nello stesso anno appare sulla rivista “Emporium” l’articolo La Sicilia ignorata: Randazzo, che porterà nel 1909 alla pubblicazione del volume Randazzo e la valle dell’Alcantara, con 147 illustrazioni di cui più di un terzo fotografie dell’autore. La monografia, realizzata per la collana ‘Italia Artistica’ diretta da Corrado Ricci, contiene un vero e proprio reportage fotografico di architetture e paesaggi ed è certamente l’esempio più noto della sua attività di fotografo, l’unico che abbia destato una certa attenzione da parte della critica, senza tuttavia essere mai stato messo in rapporto organico con l’intero percorso dello scrittore. Il paper traccerà per la prima volta un quadro organico di tutta la produzione fotografica oggi nota di De Roberto e prenderà in esame alcuni brani delle sue opere letterarie che si soffermano sulla fotografia mettendoli a confronto con la sua esperienza di fotografo con particolare attenzione al contesto culturale di riferimento.

In this paper I consider the legacy of Luigi Ghirri’s work in contemporary Italian photography and (literary) writing that explore primarily issues of place and landscape. I have chosen to focus on phototexts (i.e books consisting of photographic and written texts) as the coexistence of both media in the same book raises key questions about the complex relationship between photography and writing. The texts that I will discuss are: Il profilo delle nuvole (1989), a phototext which comprises Ghirri’s photographs of the Po Valley and an essay by Gianni Celati; Paesaggi dissonanti (2003), a project commissioned by the association ‘Linea di Confine’ to photographers Vittore Fossati, Guido Guidi and Paola Di Bello, and writer Giulio Mozzi, to investigate a recent regional law on ‘incongruous’ landscapes; and The dove collared sound (2012), a collaboration between photographer Sabrina Ragucci and writer Giorgio Falco, set in the suburban fictional area of Cortesforza (south of Milan), which is the setting of Falco’s fiction books. By analyzing Ghirri’s work on place/landscape in his seminal volume of 1989 alongside two recent phototexts, I aim to discuss whether/to what extent both the idea of landscape and the relationship between photography and writing in a text have changed over the past three decades. In my analysis I will focus in particular on the notions of sound/voice and of Stimmung (i.e. consonance) and dissonance which the photographers and writers use to adopt or challenge accepted ideas of place and landscape. I will also employ the metaphors of consonance vs. dissonance to explore the relationship between photography and writing in a phototext.

Photography was born with the mandate to honor the individual. Whether it was monuments caught in a specific moment of their life, as Francois Arago had promised to do in 1839, when he advertised photography’s ability to reproduce monuments and “local colour”, or whether it was the accurate portrayal of individuals, which became photography’s dominant application, photography was the technology best suited to document the unique. As photography approached its 50th anniversary, however, contemporary observers such as the fellows of the Societa Fotografica Italiana noted that photography had been deployed as much to chronicle the exceptional as to enforce the average. Indeed, photography had been conceptualized as well as practiced  in a way that revealed striking similarities with the social science that was supposed to be photography’s most obvious obverse: statistics. In this paper I will explore the relationship between statistics and photography especially as it pertains to their conceptualization of the fictional construct of the average and  its hold on the literary and artistic imagination. Writers and photographers alike were working hard to both capture exemplary stories and achieve the impossible goal of photographing averages. More specifically I will focus on the troubling erosion of the power of the individual that both statistics and photography brought to the fore: both told stories that did not need man’s consent and increasingly surrendered a view of  individuals as subject to forces beyond their control and unable to shape the course of history. I will discuss works by Verga, Emma, Invernizio, Marchesa Colombi, Anna Vertua Gentile, De Amicis, Ferraguti, Mantegazza, Lombroso and Messedaglia.